岭南山水画：过度写实易失意

近日，“山水清音——广东山水名家作品联展”在白云至尚美术馆举行。尽管今天的中国山水画创作看起来峰峦叠嶂、姿态万千，广东也涌现出了诸多名家高手，但岭南山水画创作在全国范围内来看，究竟处于一个什么样的位置?存在着哪些问题和不足?该如何跨越过往的高峰再立新的高岗?对此，参展山水画家及广东美术界知名评论家都有着迫切的问题意识，大家不仅展开了深入有效的批评辨析，也提供了一些值得探索的前行思路。

写生直接变创作

意象精神被丢弃

岭南山水画是随着岭南画派创始人“两高一陈” (高剑父、高奇峰、陈树人)的出现而逐渐成形的，新中国成立后，岭南山水画的代表人物首推关山月、黎雄才，其在全国山水画的地位，应属于傅抱石、李可染之后的大家。今天，岭南山水画坛上虽也人才辈出，但在参与至尚文化论坛的名家看来，存在的问题也不可忽视。

广东美协主席、广东画院院长许钦松首先指出，今天写生成为山水画创作的主导，乃至有人提出“写生就是创作”，可谓贻害不浅。

许钦松认为，从历史上讲，岭南画派对写生的倡导和注重，确实改变了中国画的格局。辛亥革命及新文化运动以后，岭南画派提出了“折衷中西、融合古今”的全新创作思想，关注现实，注重写生，将中国画从晚清以来那种沉闷乏味、了无生机的状态里面解放出来。画家们走进山水之中，直接面对自然界，从中来激发出新的创作思维，产生新的面貌。在当时那个节点上，这种倡导让已经日趋没落的山水画得以华丽转身，找到了进入现代的发展路径，非常有意义。

但今天，过度强调写生，使得广东的山水画从上到下，直接用山水写生得到的素材移植上纸面，成为山水画创作，这个危害就大了。“乡村老房子、村头的那棵树，甚至电线杆、路边的厕所，完全没有经过二度处理，就毫无选择、毫不提炼地搬到画面上了，使得山水画看上去就像是一种民俗风情画。我们看到很多画客家围屋的作品，将围屋画得特别立体、写实，连村边的小路怎么拐弯，都分毫不差地表现出来。这样的山水画作品放置到全国山水画的格局当中一比较，就会发现问题挺大的。写生其实是一个搜集素材的过程，除了看，还要悟，进行有效的二度创作，让作品进入到一个纯粹的山水画语言体系里面，这个功夫我们太弱了，包括我本人在内，有时候也还是太直接了。”许钦松直率地表示。

原广东美协副主席、原广州画院院长张绍城也认为，强调再现真实，再现对象，忠实地进行描绘，这是岭南画派的优点，也是岭南画派的缺点。

据说，当年黎雄才先生和李可染先生一起到从化写生，对着一棵松树画了两个小时，黎雄才的松树完整地画出来了，回头一看，李可染才画了几根线条，不知道画的是什么。李可染也看了黎雄才的画，不停点头道：“你画得太好、太像了。”黎雄才很出名的画作，大多数都比较写实。

可以说，写实是岭南山水画的一个“遗传基因”，要突破确实不容易。同时，许钦松也指出，写生的过度写实化跟美术教育有关。我们按照西方尤其是前苏联强调造型的模式来培养中国画学生，使得中国画尤其是山水画，传统中特别注重的意象精神被渐渐弄丢了。“本来西方艺术也是特别丰富的，各种流派、各种思想，很庞大很多样，但我们过去的美院教育，单一性地吸收西方写实主义的东西，画家们的意象思维从一开始就被严重挤压，甚至完全丧失了，这是很遗憾的。”他说。

注重画面整体感不关心笔墨功力

对于岭南山水画的“弱项”，张绍城还谈到一点，早年他就听一些北方老画家对岭南画派的大家有所批评，认为线条“力”不足，他当时是不太理解的。但今天他明白了，对线条的把握，以前大多数岭南派画家可能认为猛一点就是有力量了。而北方的那些老先生则认为，线条中的力应当是内力，是内藏于笔墨当中的，而不是外露的，特别是在线条转角的地方，“角”不能太明显，这一点对照黄宾虹、陆俨少的线条，就可以看得很清楚。“特别是黄宾虹先生，他很强调线条要‘见脊’，即一笔画下去，中间有点灰白，这才是线条的最高水平。而岭南画派的山水作品，更关注整体画面的安排，对于线条的表现力并不十分在意，不太强调笔墨本身的表现力。总体而言，岭南画派的山水画，讲究氛围，讲究整体感。而北方画家强调画作上要有深厚的笔墨功力，经得起近看，能看出其内在的东西。这种文化上、认知上的差别不是一天两天能够补回来的。”张绍城说。

广东美协艺委会秘书长羊草也表示：“大型的展览我常常会看三遍：第一遍，有些新的作品一下子就吸住我的眼球，很有视觉冲击力;但第二遍再看，可能这些东西就不会再关注了;第三遍往往只在两三幅作品面前会驻足细看。这样的作品就是当中有笔墨、有传统的，能够留得住我。广东的山水画，常常也很能吸引住眼球，但展览结束以后，这幅作品能不能让大家一看再看，感觉还是那么好，就很难说了。这恐怕就是笔墨还不够，传统还没领会到位的缘故。尽管其他有的省份在中国画创作上力量不如广东整齐，但他们往往有那么一个小群体，在传统里面探索得很不错，吸取了不少营养，能产生耐看的作品。”对于这个差别，羊草认为应该有所认知。

而从欣赏对象看，张绍城认为北方有一大批收藏家，他们的眼光本身就比较“毒”，很会“观颜察线”，岭南地区的收藏家大部分还达不到这种水平，更重视整体画面，主要看感觉。

对此，广州画院专职画家宋陆京也表示认同：“南方因为经济发达，艺术家往往更会讨巧，有的倾向于讨好老百姓，讨好买家。大部分藏家因为自身修养问题，更喜欢那些画得比较像的，譬如画罗浮山就是罗浮山的样子，西樵山就是西樵山的样子，画家也就往这个路子上走了。”

从传统中取法向书法要营养

基于以上分析，大多数山水画名家认为，广东山水画在传统方面值得深挖。画家黄唯理就表示，广东不缺创新因素，因为地理优势，广东往往能领风气之先，更多受到外来文化的影响，所以，倒不一定要过多地强调创新，反而可能需要更多从本土文化源头学习。他说：“传统的写意精神，其实就包含了创新的基因。因为写意、意象，是本于心源的，每个人都不一样，都有自己的感受，如果我们能够从这方面进入，不愁没有创新。传统和古老不能划等号，传统是可以再生的。我们不只可以在时尚潮流方面找到创新的支点，也可以从传统中找到创新的源泉。”

画家墨林也认为，岭南画派给人的感觉就是受到西画影响很重。虽然这是我们的特点，但在全国范围内会显得有点孤立，所以在保持自身优点、长处的基础上，可以更多地学习其他画派的精华，尤其是要把书法根基打好。书画同源，书法直接影响了绘画的笔力、感觉。

许钦松告诉记者，他曾经有过一个策划动机，想做两个比较展。一个展览是属于古典情怀的，就是呈现画家学习传统的东西，包括临摹等;一个是当下画家的创新，突破前人的带有探索性和实验性的东西，“将两个展览放在一块，相信可以碰撞、引发出很多思考和灵感”。

广州美协副主席刘思东则提出了一个新思路，岭南是禅宗文化的重地，如何将禅宗文化跟山水画相结合，值得探索。“中国山水画本来就有南北宗之分，广东画派自然是属于南宗的，南宗讲究顿悟，是自由的、解体的。中国绘画在唐宋时期很重视写实，追求绘画的协调性、完整性，到了元代开始注重抒情，出现了黄公望、倪瓒这样的风格，山水中不见具体人物的行踪，意境直指人心，这是非常高妙的。岭南地区山川淑秀，如果有禅宗文化的‘悟’为提振，境界将会更高。”他说。

广东山水并不弱

希望更在“90后”

当然，广东山水画的力量并不弱，对于中青年一代以及新生代的发展状况，大家都抱着比较乐观、肯定的态度。张绍城认为，就刘思东、黄唯理、陈映欣这批中坚画家而言，写实的影响已经弱化了很多。“陈映欣在华山体验生活、写生，但是你在他的画里看不出那是华山，他只不过是借华山来画他自己胸中的块垒，借一个华山来表达自己的情绪。对于他们这一代人来讲，陆俨少的影响可能更大于岭南画派的前辈们。”他说。

广州美协副主席朱颂民则强调，今天这个大环境下，画家可以充分自由发挥，怎么画都行，只要有自己的坚守。至于将来成功与否，应该交给历史去判断。我们纵观整个历史，每个朝代的绘画都不一样，唐跟宋不一样，宋跟元不一样，都是在变化发展中，如果要成为一个新的传统，唯有创新。“我很看好‘90后’，因为‘90后’出生在一个非常好的时代，能够接触到经典的传统文化，我看过他们的课本，选得很好，民族文化中的经典作品有，世界上最新潮的文化、最先进的文明，也都没有导向性地传播给他们。我们以前总是太有导向，认为这个对，那个不对，形成一种定式思维。现在的‘90后’知识面广泛，传统的、当代的、国内的、国外的，他们都可以兼收并蓄，并能获得最好的部分，因此，将来他们在山水画上会搞出什么新模式、新花样，我们很难预测。”他表示。

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